「世界で最も美しい美術館」に、東アジアのオルタナティブなアートが集結。 広島〈下瀬美術館〉で観る『周辺・開発・状況　-現代美術の事情と地勢-』

世界が憧れる美術館、初の現代アート展を開催中

カラフルなキューブが水盤に佇む〈下瀬美術館〉は、ユネスコ本部が選ぶ建築賞〝ベルサイユ賞〟を受賞した「世界で最も美しい美術館」。建築家・坂茂が設計した代表作のひとつである。カラーガラスを使った可動式のキューブ型展示室には、広島の造船技術が使われ、企画展示棟などの建物群は、長さ約180mのミラーガラス・スクリーンで覆われている。

企画展示棟の外はピラミッド状に盛り土されており、てっぺんまで登れば厳島神社のある宮島や瀬戸内海の風景を見渡せる。この美しい環境がミラーガラス・スクリーンに映り込む様子は、確かに「世界で最も美しい」と称されるにふさわしいだろう。

収蔵品は約500点。日本と西洋の近代絵画に加え、エミール・ガレのガラス作品など工芸品の充実ぶりでも知られている。そんな〈下瀬美術館〉にとって、初めての現代美術展『周辺・開発・状況 -現代美術の事情と地勢-』展が、現在開催されている。参加アーティストは、日本、韓国、中国、インドネシア、ミャンマーなど、東アジアをルーツにもつ9人。海外勢はみな、日本の美術館では初の作品発表となる。アーティストだけでなく4人のキュレーターも含めた全員が、1980年代以降生まれの若手であることも特徴だ。

9人の作品が展示されているのは8つの可動展示室と大型の企画展示室。1つの可動展示室に1人あるいは2人ずつ……と数は絞られている。周囲から切り離された10×10mの空間で作品を鑑賞したら、渡り廊下というインターバルを経て次の展示室へ。先に言ってしまうと、建築の特徴を生かしたこの構成が出色。「仏教神話に描かれた女神像とミャンマーの社会情勢をリンクさせた彫刻」「縄文土器や古代遺物への関心をパンキッシュに表現した陶芸作品」「広島のリサイクルショップのリサーチをもとにしたインスタレーション」など、個々の作品とじっくり対峙しつつ、それぞれが「現代のアジア」という一本の線でつながっていることを体感できる。

いったいどんな意図でキュレーションされたのだろう？

「見る楽しさ」と「思考すること」を両立させる若手たち

「今回の企画では〝環境〟を大きなテーマとしています」。チーフキュレーターの齋藤恵汰がそう語る。とはいえ、日本語の「環境」はとても多義的だ。土地の周辺や風景も環境だし、人やものごとの〝状況〟も環境。起こった出来事や、もたらされた効果を環境といったりもする。「環境という概念の周辺にただようイメージや出来事を取り上げようと考えました。企画展名の『周辺・開発・状況』もそこから発想したものです」

なるほど、ある種あいまいな「環境」という言葉を、現代アジアのアーティストたちがどう解釈し、何を表現したのか。そう考えると面白い。

「現在の日本では、〝見ることを楽しむ展覧会〟と〝鑑賞者に考えさせるコンセプト重視の展示〟のどちらかに偏ったものが多いですよね。そうではなく、両者が共存する企画にしたかった。作家も、メディウム（素材）に対する関心とコンセプトに対する思考を両立させている若手を選びました」と齋藤。

例えば、連続する3室の可動展示室で展示をするのは、中国の鄭天依（ジェン・テンイ）。広島の基町にあるリサイクルショップを長期リサーチし、そこで得た中古品や遺棄物を用いたインスタレーションを展開する。昭和の中古品を現代のテクノロジーで動かすインスタレーションも、リサイクルショップを再現したノスタルジックな展示も、純粋に楽しくてワクワクする。と同時に、中古品に宿る、いわば過去の残像に触れた鑑賞者は、作家が追求する概念「〝思いだせない過去に懐かしさを感じる〟という感覚がなぜ起こるのか」へと、考えをめぐらせるのだ。

一方、今回いちばんの若手である久⽊⽥⼤地は、フラゴナールやルドンなど、誰もが見たことのある西洋名画を引用。コピペやサンプリングのような手法で表現した作品を提示する。一見ポップ。でもそれだけじゃない。面白いのは、「古典絵画が現代の情報社会でどう受容されているか」への興味から発想されていることだ。「〝モナリザ〟をネットで画像検索すると、同じイメージがバーッと画面を埋め尽くす。美術史上においてもかなり特殊なその現象を、もういちど美術の範疇に収集することを考えています」と久木田は言う。

さて、可動展示室を渡り歩いた後に待っているのは企画展示室。「〈下瀬美術館〉がエミール・ガレのコレクションで知られていることもあり、工芸的なアプローチをする作家も意識して選びました」と齋藤が語る通り、広島県大竹市の手漉き和紙とインドネシアの布を使ったムハマド・ゲルリや、韓国のオミョウ・チョウ、日本の遠藤薫などの作品が展示されている。

世界で注目されるオミョウ・チョウと陶芸の歴史に迫る遠藤薫とは？

なにしろ品がいい。奇抜ではないのに強く印象に残る。それが韓国のオミョウ・チョウの作品だ。自らSF小説を書き、登場するモチーフや生物をアートに昇華させるオミョウについて、齋藤はこう語る。「SF的なコンセプトと工芸的なニュアンスがみごとに融合しているし、韓国のフェミニズム的な流行もふまえている。2024年のアートバーゼルでは若手の筆頭として取り上げられました」。まさに今、世界的に注目され始めている作家の、日本初展示でもあるわけだ。

「テーマは『記憶の転移』です」とオミョウは言う。

「テクノロジーによる未来的な現象やSNSによって、他者の記憶や経験を共有することが、現代ではあたりまえとなっています。そんな環境において、私が強い関心を抱いたのが、人間の記憶というものの在り方でした」。オミョウが今回制作したのは、ガラスと金属という異なる素材を融合させた彫刻作品。脳神経学者の協力も仰ぎつつモチーフに選んだのは、脳神経の研究にも用いられる軟体動物アメフラシだ。「人間の記憶をアメフラシに転移することが可能なのではないか、人間がほかの生態と溶け合うことができるのではないか。そう考えて生まれた表現です」

さて、会場の奥まったスペース一帯を使い、「旅」と「陶芸」をテーマにしたインスタレーションを展開したのは遠藤薫。「日本の陶芸史が大きく変わったのは、焼き物の技術が朝鮮半島から九州へ伝わり、さらに日本各地へ広まった16～17世紀。その歴史や経路をリサーチし、広島、愛媛の砥部、九州の有田や唐津、韓国……と旅をしてきました。今回展示している焼き物は、現地の人の支持を仰いで自身の手で作ったものです」と遠藤。さまざまな環境に身を置き、現地でろくろをまわし、陶芸の歴史を追体験するように焼きあげた膨大な白磁や焼き締めは、モノとしての強い引力をもっている。

それだけでも十分な見ごたえがあるけれど、真の見どころは、遠藤がリサーチから得た土地の物語や陶工たちの歴史が、映像や構造物やコラージュによって表現されていることだ。そもそも今の日本の陶芸技法は大陸からの知識に基づいている。陶磁器に至っては秀吉の朝鮮出兵を機に日本へ連れてこられた朝鮮半島の陶工が伝えたものだ。さらに、かつて広島には旅に出る人が嚴島神社の砂をお守りとして持っていく風習があったことや、ツアー・旅の語源が、回転するロクロであること。そして、第二次世界大戦末期には自決用として全国の陶工がそれぞれの土地の土と釉薬で制作した手りゅう弾が陶器で作られ市民に配布されたことなども提示されている。

「陶工たちは時に、戦争や大きな力によって翻弄されてきた。ただ、そんな中でも、職人としての誇りをもってベストを尽くし、美しい陶器を作ってきたんですよね。そういう営みの中で日本の陶芸が作られてきたことが、伝わったらいいなって思います。祈りを込めて、広島平和記念公園の折り鶴の灰を釉薬に用いました」

オミョウは作品の中に生命の未来を描き、遠藤は過去から現在への長い時間も提示した。もちろんほかのアーティストたちも、それぞれに問題意識をもって「環境」に臨んでいる。彼らの挑戦的で刺激的な表現が、世界で最も美しい建築の中からくっきりと立ち上がってくる。